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martes, agosto 17, 2010

160 AÑOS DE LA MUERTE DEL GENERAL JOSE DE SAN MARTIN

José de San Martín , padre de la Patria a 160 años de su fallecimiento


La inalterable vigencia de su legado, su inquebrantable disciplina y su coherencia política , son quizás, los puntos común de todos los historiadores que arriban a la figura de San Martín.
Voy a compartir con ustedes una curiosa y divertida visión de Daniel Balmaceda a la salud de San Martín de su libro " Historias Inesperadas de la Historia Argentina "



San Martín y remedios

   José de San Martín tuvo siete vidas. La primera transcurrió entre el día de su nacimiento y los veintidós años, cuando era teniente de los ejércitos reales de España y fue atacado por cuatro forajidos que lo dejaron agonizando en el camino de Valladolid a Salamanca. Lo salvó el general Francisco Negrete que por fortuna lo encontró a un costado del sendero.
   La segunda vida le duró hasta que , a los treinta años, estuvo a punto de ser ejecutado por el enardecido pueblo español. Ocurrió en Cádiz, a fines de mayo de 1808. Las hordas acusaban de ser afrancesados a los oficiales españoles. El general Francisco María Solano se escondió en un mueble, pero fue descubierto. Lo acuchillaron y ahorcaron. san Martín, que estaba con él, logró huir de un grupo furioso que lo perseguía y un monje capuchino lo metió en su convento. Al día siguiente lo sacaron disfrazado de la ciudad.
   Su tercera vida le duró apenas un mes. El 23 de junio de 1808, en Arjonilla, al frente de sus hombres en la carga a los franceses, cayó del caballo y fue rescatado de las bayonetas enemigas por Juan de Dios, un soldado que lo levantó del piso.
    La cuarta vida se extendió hasta el 3 de febrero de 1813, en San Lorenzo, cuando el soldado Juan Bautista Cabral - luego ascendido a sargento - pagó con la vida, cubriéndose de gloria, haber retirado al comandante del peligro, ya que estaba siendo aplastado por su caballo.
    En 1826, con cuarenta y ocho años, llegó al final de su quinta vida, luego de que volcara la galera en la que viajaba por los caminos de Inglaterra. Lo sacaron de abajo del carruaje. Pasó varios meses en cama por los traumatismos y la cicatrización de las heridas provocadas por los fragmentos de vidrio de la ventana.
    La sexta y penúltima vida de san Martín terminó en Roma y es uno de los episodios más desconocidos del Padre de la Patria:
    A fines de 1845, San Martín vivía en París. Su salud flaqueaba, le pesaban los sesenta y siete años, y le pareció que una gira por Italia podría sentarle bien. El viaje lo haría en companía de su mucamo, pero necesitaba alguien más con quién contar en caso de que sobreviniera una complicación. Allí surgió el nombre de un argentino : Gervasio Antonio de Posadas. Era nieto y homónimo del Director Supremo ( su abuelo había muerto en 1833 ). también era sobrino de Carlos María de Alvear, ( enemistado con San Martín ). Iba a ser el director de Correos de los presidentes Bartolomé Mitre y Domingo Faustino Sarmiento. Cuando San Martín cruzó los Andes, él tenía dos años. Ahora, con treinta, acompañaría con gusto al general en su paseo por Italia.
    San Martín le explicó cómo debía actuar frente a diversos problemas clínicos. Gervasio Posadas memorizó nombres de remedios y acciones a seguir. Entre otras tantas cosas que conversaron, el Libertador le dijo que estaba interesado en comprar un busto de Napoleón, a quien admiraba. Pero una noticia fatal iba a suspender la recorrida de shopping. Una noche de febrero de 1846, Posadas llegó tarde al hotel y fue a acomodarse en su cuarto. Al instante, golpearon su puerta. Era el mucamo de José de San Martín, quien le anunciaba con tono informativo y gesto adusto : " El señor General se ha muerto " .
    Posadas corrió al cuarto de San Martín. Lo observó tirado en la cama, inmóvil y tieso. Tomó remedios del botiquín y se los inyectó al cuerpo inerte. El general volvió en sí ante la sorpresa de su mucamo personal, quien nunca antes lo había visto tan muerto. San Martín había sufrido un nuevo ataque de epilepsia que lo dejó tendido, con los signos vitales muy disminuidos. Esa madrugada aumentó la lista : Francisco Negrete, Juan de Dios, Juan Bautista Cabral, el monje capuchino, los ingleses que lo sacaron del coche que volcó y Gervasio Antonio de Posadas.
   Poco más de cuatro años duró la séptima vida del libertador, hasta el sábado 17 de agosto de 1850.





Hoy se cumplen ciento sesenta años de aquella jornada 

domingo, agosto 15, 2010

Naipes en el Arte - Boulogne

Valentín de Boulogne ( 1591 - 1632 )


Jean de Boulogne es conocido en el mundo artístico como Valentín. Pintor barroco francés, nació en Coulommiers en 1591; se formó en el taller de Simón Vouet, trasladándose más tarde a Italia donde se relacionó con Nicolás Poussin, influyendo en su pintura de manera pasajera. Se establece en Roma definitivamente, continuando con su estilo caravaggista, llegándose a confundir la autoría de algunos cuadros. Entre sus obras destaca el Martirio de San Lorenzo del Prado. Murió en Roma en 1632, ejerciendo muy escasa influencia en Francia, aunque algunas de sus obras decoraron los aposentos reales de Luis XIV en Versalles.
Valentin de Boulogne tuvo una biografía casi tan agitada y tormentosa como la de su modelo en pintura, Caravaggio. Valentin marchó a Roma para tomar contacto con la pintura italiana del Barroco y allí se sumergió en el mundo del hampa, rodeándose de prostitutas, mendigos, jugadores y borrachos. Ellos son los protagonistas de sus lienzos, tal y como lo fueron de los cuadros de Caravaggio. Según testimonios de la época, los elementos del lumpen romano preferían sobre todo la compañía de artistas holandeses y flamencos, que debían de ser los más  animados de entre todos. 






El Tahúr - 1617




El Concierto - 1622-25 -  Museo del Louvre 

sábado, julio 31, 2010

Los Naipes en la Historia



A veces, perder a las cartas, salva vidas.


 El coronel Nicolás Dávila ( 1786 - 1876 ) había combatido heroicamente  en la defensa de la actual provincia argentina de La Rioja. Aunque fue en vano, ya que el General Nazario Benavídez ( 1805 - 1858 ), bajo las órdenes de Juan Manuel de Rosas, lo vence y toma prisionero junto a dos de sus hijos. 
La bien ganada fama de sanguinario del General Benvídez, hacía suponer que a sus prisioneros les estaba echada la más funesta de las suertes y que prontamente serían degollados.
En la noche, las tropas triunfantes habían acampado en Sañogasta. Una vez terminados los aprestos del campamento, el General Benavídez mandó a llamar al Coronel Dávila, su prisionero, para jugar una partida de naipes.
El coronel aceptó.
Más tarde, después de varias horas de juego y ya de regreso a la tienda que le servía de prisión, le contaría a su hijo Cesáreo: -
-¿Sabés que me ha invitado a jugar cartas el general?
-¿Y usted qué ha hecho, Tata ?
-He jugado y he perdido seiscientos bolivianos.
-Ha hecho usted muy mal, tata -exclamó Cesáreo, preocupado-, ¿con qué pagamos ahora esta deuda?
-No seas tonto, m'hijo -repuso sonriendo el coronel-, me he dejado ganar para que este bárbaro, con la esperanza de cobrar, nos respete y no nos degüelle en el camino. 
Esta partida, o mejor dicho, haberla perdido, salvó la vida del Coronel Dávila.


miércoles, junio 23, 2010

Qué vemos y qué no vemos en Las Meninas de Velazquez



Qué vemos y qué no vemos en Las Meninas de Velazquez





El cuadro mas famoso del pintor español Velazquez, es quizás Las Meninas. Es un cuadro que casi todos hemos visto en cuanta referencia se haga a este extraordinario artista y es visita obligada de quienes asisten al Museo del Padro en Madrid, donde se encuentra la obra.

Fue pintada en 1656 , fecha razonablemente probable  si tenemos en cuenta que la infanta Margarita ( personaje central de la pintura )  nació el 12 de julio de 1651 y aparenta tener unos cinco años de edad. Sin embargo, Velázquez aparece con la Cruz de la Orden de Santiago en su pecho, honor que consiguió en 1659. La mayoría de los expertos coincide en que la cruz fue pintada por el propio artista cuando recibió la distinción.

La sala en donde se desarrolla la escena sería el llamado Cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid, estancia que tenía una escalera al fondo y que se iluminaba por siete ventanas, aunque Velázquez sólo pinta cinco de ellas al acortar la sala.

El Cuarto del Príncipe estaba decorado con pinturas mitológicas, realizadas por Martínez del Mazo copiando originales de Rubens, lienzos que se pueden contemplar al fondo de la estancia, arriba a los laterales del espejo. 




En la composición, el maestro nos presenta a once personas, todas ellas documentadas excepto una. La escena está presidida por la infanta Margarita ( 1 ) y a su lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento ( 3 ) e Isabel de Velasco ( 2 ). En la izquierda se encuentra Velázquez ( 9 )con sus pinceles, ante un enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola ( 4 ) y Nicolasito Pertusato ( 5 ), este último molestando con su pié a  un perro de compañía, presumiblemente un Mastín del Pirineo. Tras la infanta observamos a dos personajes más de su pequeña corte: doña Marcela Ulloa ( 6 ) y el desconocido guardadamas ( 7 ). Reflejadas en el espejo están las regias efigies de Felipe IV ( 10 ) y su segunda esposa, Mariana de Austria ( 11 ). La composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto ( 8 ).

Las opiniones sobre qué pinta Velázquez son muy diversas. Soehner, con bastante acierto, considera que el pintor nos muestra una escena de la corte. La infanta Margarita ( 1 ) llega, acompañada de su corte, al taller de Velázquez para ver como éste trabaja. Nada más llegar ha pedido agua, por lo que María Sarmiento ( 3 ) le ofrece un búcaro con el que paliar su sed. En ese momento el rey y la reina (10 y 11 ) entran en la estancia, de ahí que algunos personajes detengan su actividad y saluden a sus majestades, como Isabel de Velasco ( 2 ) . Esta idea de tránsito se refuerza con la presencia de la figura del aposentador al fondo ( 8 ) , cuya misión era abrir las puertas de palacio a los reyes, vestido con capa pero sin espada ni sombrero. La pequeña infanta estaba mirando a Nicolasito ( 5 ) , pero se percata de la presencia de sus regios padres y mira de reojo hacia fuera del cuadro. Marcela Ulloa ( 6 ) no se ha dado cuenta de la llegada de los reyes y continúa hablando con el aposentador, al igual que el enano ( 5 ) , que sigue jugando con el perro.

Pero el verdadero misterio está en lo que no se ve, en el cuadro que está pintando Velázquez.

Algunos autores piensan que el pintor sevillano está haciendo un retrato del Rey y de su esposa a gran formato, por lo que los monarcas reflejan sus rostros en el espejo.

Carl Justi considera que nos encontramos ante una instantánea de la vida en palacio, una fotografía de cómo se vivía en la corte de Felipe IV.






El desaparecido catedrático de Perspectiva e ingeniero de caminos Ángel del Campo Francés publicó en el año 1978 un magnífico tratado sobre este cuadro. Bajo el título de La Magia de las Meninas (Madrid 1978), Del Campo Francés desarrollaba en un vasto catálogo de óptica y geometría muchos de los secretos de la obra de Velázquez. Según este catedrático, la solución al problema planteado por el cuadro yacía en el empleo de seis espejos, lo que explica la extraña posición en el espacio interior de la pintura tanto de Velázquez como de la Infanta, las meninas y los Reyes reflejados en el espejo, que, al contrario de lo que siempre se había dicho, no eran los personajes dibujados sobre el lienzo que tiene ante sí Velázquez.


Cinco años antes, el profesor Jacques Lassaigne publicaba un magnífico tratado sobre el cuadro en el que aportaba una de sus verdaderas claves. En Les Ménines (Lausana 1973), Lassaigne demostraba el significado mágico de la obra afirmando que todo el conjunto era en realidad una representación mágica y protectora de la constelación Corona Borealis, en cuyo centro destacaba la infanta Margarita. Si unimos el corazón de las figuras de Velázquez, María Agustina Sarmiento, la Infanta Margarita, Isabel de Velasco y José Nieto, reconstruimos esta constelación cuya finalidad está enfocada claramente a la protección de la Infanta. Precisamente la estrella más brillante de Corona Borealis, la misma que ocupa la Infanta, se llama curiosamente Margarita.

Son muy pocos los que se acuerdan de que, hasta hace pocos años, el cuadro de Las Meninas se exhibía en el madrileño Museo del Prado con un espejo delante. De esta manera, el espectador tenía que dar la espalda al enorme lienzo de 3,18 por 2,76 metros y observarlo a través del espejo. No tardaría en verse casi de una forma mágica e incomprensible dentro de la propia escena.

No es en absoluto algo casual. Nadie sabe hasta qué punto, pero el cuadro, también conocido como La Familia de Felipe IV, es una complejísima estructura pictórica, humana y mágica que en sí misma define el lado más insólito de nuestro pintor más universal. La interpretación de la obra cumbre del sevillano Diego Velázquez da Silva (1599-1660) ha vuelto loco a más de un crítico. El propio Pablo Picasso se encerró en su estudio de Cannes en 1957 y no salió de él hasta conseguir dar con la clave del cuadro: saber dónde se encontraba cada una de las figuras. Y, aun así, tampoco estaba muy convencido de haberlo conseguido. Por ello, después de él, otros expertos se han acercado a Las Meninas con el fin de realizar la autopsia definitiva de este extraño cuadro.

Jonathan Brown piensa que este cuadro fue pintado para remarcar la importancia de la pintura como arte liberal, concretamente como la más noble de las artes. Para ello se basa en la estrecha relación entre el pintor y el monarca, incidiendo en la idea de que el lienzo estaba en el despacho de verano del rey, pieza privada a lo que sólo entraban Felipe IV y sus más directos colaboradores.

En cuanto a la técnica con que Velázquez pinta esta obra maestra -considerada por Luca Giordano "La Teología de la Pintura"- el primer plano está inundado por un potente foco de luz que penetra desde la primera ventana de la derecha. La infanta es el centro del grupo y parece flotar, ya que no vemos sus pies, ocultos en la sombra de su guardainfante. Las figuras de segundo plano quedan en semipenumbra, mientras que en la parte del fondo encontramos un nuevo foco de luz, impactando sobre el aposentador que recorta su silueta sobre la escalera.

La pincelada empleada por Velázquez no puede ser más suelta, trabajando cada uno de los detalles de los vestidos y adornos a base de pinceladas empastadas, que anticipan la pintura impresionista. Predominan las tonalidades plateadas de los vestidos, al tiempo que llama nuestra atención el ritmo marcado por las notas de color rojo que se distribuyen por el lienzo: la Cruz de Santiago, los colores de la paleta de Velázquez, el búcaro, el pañuelo de la infanta y de Isabel de Velasco, para acabar en la mancha roja del traje de Nicolasito.

Pero lo que verdaderamente nos impacta es la sensación atmosférica creada por el pintor, la llamada perspectiva aurea, que otorga profundidad a la escena a través del aire que rodea a cada uno de los personajes y difumina sus contornos, especialmente las figuras del fondo, que se aprecian con unos perfiles más imprecisos y colores menos intensos. También es interesante la forma de conseguir el efecto espacial, creando la sensación de que la sala se continúa en el lienzo, como si los personajes compartieran el espacio con los espectadores. Como bien dice Carl Justi: "No hay cuadro alguno que nos haga olvidar éste".

martes, junio 22, 2010

Naipes en el Arte - Toulouse Lautrec



Henry de Toulouse Lautrec (1864 - 1901 )





Partida de cartas 1893  - Colección Particular  - 57 x 44 cm.Oleo sobre cartón

 

La tediosa espera de las prostitutas ante la llegada de los clientes al burdel será el motivo de algunos cuadros de Toulouse-Lautrec como El salón de la rue des Moulins o esta partida de cartas que contemplamos, donde las dos mujeres, ataviadas para su trabajo, matan el tiempo jugando una partida, sentadas en los confortables sillones rojos y utilizando como mesa uno de los cojines situado sobre sus piernas. La imagen está captada con absoluta familiaridad y naturalismo, acostumbrado Henri a contemplarla en sus habituales visitas a los diferentes burdeles parisinos e incluso durante su estancia en uno de ellos, pese a estar prohibido. Este mundo de la prostitución será para Lautrec su principal fuente de inspiración, recogiendo en sus cuadros las relaciones lésbicas de las chicas, su engalanamiento para la ocasión, la llamada de la madame o la llegada del lavandero, creando un conjunto difícilmente superable que tiene en Forain a su más directo antecesor. El vivo colorido ha sido aplicado de manera rápida y contundente, conjugándose con las líneas para crear una sensacional composición vista desde atrás en la que las tonalidades rojas se adueñan del espacio.

Naipes en el Arte - Planells




Angel Planells i Cruañas (1901 -1989)




Nacido en Cadaqués, donde conoció a artistas como Eliseu Meifrén, Joan Roig i Soler y Salvador Dalí. En 1918 se trasladó a Barcelona para estudiar pintura, litografía y  grabado, pero regresó a su casa por  problemas económicos. En 1928 publicó algubnos poemas surrealistas primero y  artículos de crítica de arte, mas tarde

Entre 1928 y 1929, Planells participó en su primera exposiciones colectiva en las Galerías Dalmau de Barcelona (1929) y en Girona. En Cadaqués conoció a René Magritte y otros artistas surrealistas. La primera exposición individual de Planells  tuvo lugar en 1930, en las Galerías Dalmau.

En 1936, formó parte del grupo Logicofobista, junto con los artistas Artur Carbonell i Carbonell, Leandre Cristòfol Peralba , Àngel Ferrant, Francés Esteve, A. Gamboa Rothwoss, Lamolla AG, Ramón Marinello, Joan Massanet, Maruja Mallo, Jaume Sans, Sokalova Nadia, Remedios Varo y Joan Ismael.
La primera Exposición de este movimiento o grupo  tuvo lugar en Barcelona, en 1936. El mismo año, tres obras de Planells se exhibieron en la Exposición Surrealista Internacional de Londres.

Naipes en el Arte - Brower




Adriaen Brower ( 1605 - 1638 )






The cards Players - Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerp






Pelea en una taberna - Gemaldegalerie - Desden



Naipes en el Arte - Hals



Dirck Hals ( 1591-1656)





Merry Party in a Tavern - 1628


Dirck Hals fue el hermano menor de Frans Hals y el tercer hijo del pintor Fransz Hals de Mecheln, y su esposa Adriaentgen van Geertenryck de Amberes, a quien en el acta de bautismo se llama Adriana Hals. Dirck tuvo aún otros dos hermanos mayores, los cuales aún nacieron en Amberes: Frans Hals (1580/85–1666), a cuya sombra artística viviría Dirck, y Joost Hals (1584–1626), que igualmente fue un pintor.


La familia Hals emigró hacía los Países Bajos septentrionales, después de que Amberes cayera en manos del Duque de Alba en 1585. La mención del bautismo de Dirck en la iglesia reformada de Haarlem el 19 de marzo de 1591 es la primera mención de su reubicación allí. Recibió su primera instrucción con su hermano mayor de once años Frans Hals, quien fue aceptado en 1610 como miembro de la guilda de san Lucas, esto es, la cofradía de pintores. Sin embargo, le influyeron más Esaias van de Velde y Willem Buytewech. No se sabe mucho del hermano mediano, Joost Hals, más allá de que se llamaba a sí mismo pintor.
La mayor parte de su vida la pasó Dirck Hals en Haarlem. Desde 1618 hasta 1624 Dirck sirvió en la 2.ª compañía del tercer pelotón de la compañía de San Jorge, a la que también perteneció su hermano Frans en 1615. Desde 1618 hasta 1626 fue miembro de los De Wijngaertranken, una compañía retórica a la que también perteneció su hermano Frans. Dirck Hals sólo llegó a ser miembro del gremio de pintores en el año 1627. En 1620 o 1621 se casó con Agneta (Agniesje) Jansdr y entre 1621 y 1635 nacieron sus hijos. Su único hijo, Antonie Hals (1621–1691), se independizó como retratista y pintor de obras de género en Ámsterdam, donde se le menciona por vez primera el 21 de junio de 1652.
En los años 1641 a 1643 y 1648 Dirck Hals vivió en Leiden. El 22 de febrero de 1641 alquiló una casa. Dirck conoció al pintor y marchante de arte de Ámsterdam Pieter Jansz van den Bosch (1613-1663). Dirck Hals murió en Haarlem y fue enterrado el 17 de mayo de 1656 en la iglesia de Begijnhofkerk.

Naipes en el Arte - Manfredi




Bartolomeo Manfredi ( 1582 - 1622)







El cuarto de la guardia, óleo sobre lienzo, 169 x 239 cm, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde.



Manfredi nació en Ostiano, cerca de Cremona. Pudo haber sido un alumno de Caravaggio en Roma — en su famoso juicio por libelo en 1603 Caravaggio mencionó que un tal Bartolomeo, acusado de distribuir poemas injuriosos atacando al detestado rival de Caravaggio Baglione, había sido un criado suyo. Ciertamente el Bartolomeo Manfredi conocido por la Historia del Arte era un seguidor muy cercano del innovador estilo de Caravaggio, con su marcado claroscuro y su insistencia en el naturalismo, con un talento para narrar la historia a través de la expresión y el lenguaje corporal.


Caravaggio en su breve carrera — fue lanzado a la fama en 1600, exiliado de Roma en 1606, y muerto para el año — tuvo un profundo efecto en la generación más joven de artistas, particularmente en Roma y Nápoles. Y de estos caravagistas (seguidores de Caravaggio), Manfredi parece haber sido el más influyente a la hora de transmitir el legado de su maestro a la siguiente generación, particularmente con pintores de Francia y los Países Bajos que acudieron a Italia. Desafortunadamente, no quedan obras documentadas y firmadas por Manfredi, y varias de las cuarenta obras que hoy se le atribuyen se creyó antes que eran de Caravaggio. La distinción seria entre Caravaggio y Manfredi ha puesto en evidencia que fue más bien Manfredi, y no su maestro, el principal responsable de la popularización de la pintura de género de los bajos fondos entre la segunda generación de caravagistas.

Manfredi fue un artista con éxito, capaz de mantener a su propio criado antes de alcanzar los treinta años de edad, «un hombre de apariencia distinguida y comportamiento refinado», según su biógrafo Giulio Mancini, aunque escasamente sociable. Construyó su carrera alrededor de pinturas de caballete para clientes privados, pero sus obras fueron ampliamente coleccionadas en el siglo XVII, y era considerado el igual de Caravaggio, o incluso superior. Su Marte regañando a Cupido ofrece una tentadora pista sobre un Caravaggio perdido: el maestro prometió una pintura sobre este tema a Mancini, pero otro de los patrones de Caravaggio, el cardenal Francesco María Del Monte, se lo llevó, y Mancini entonces encargó a Manfredi que le pintara otro para él, que se consideró la mejor obra de Manfredi.

Naipes en el Arte - Lesrel



Adolphe Alexandre Lesrel, (1839 1929)







El Juego de Cartas - Private Collection
 
 

Naipes en el Arte - Hunt




Charles Hunt ( 1803 -1877 )






Jugadores en una taberna - Private Collection

domingo, junio 20, 2010

Naipes en el Arte - Van Ostade



Adriaen van Ostade (1610 - 1685)







Interior de una taberna

Van Ostade se especializó en escenas de género, en un estilo vivo y vigoroso, lleno de sutiles efectos de luces y sombras. Es conocido sobre todo por sus escenas de taberna, que recuerdan un poco el mundo de Brueghel.[1] Aparecen en sus obras campesinos bebiendo y fumando, músicos ambulantes, fiestas campesinas y pintorescos personajes de los pueblos. Se trata de una temática cercana a la de sus contemporáneos, David Teniers el Joven y Adriaen Brouwer. La diferencia entre Teniers y Ostade radica en la diferente condición de las clases campesinas entre Brabante Septentrional y Holanda y en la atmósfera y los alojamientos propios de cada región. Brabante tiene más sol y comodidad; Teniers, por lo tanto, es plateado y brillante, y las figuras de sus cuadros son bellos ejemplares de su cultura. Holanda, en los alrededores de Haarlem, parece haber padecido grandemente la guerra; el aire es húmedo y brumoso, y las personas que Ostade pinta son bajas y desfavorecidas, marcadas con el sello de la adversidad, tanto en sus rasgos como en sus ropajes.
Brouwer, que pintó a los campesinos holandeses en sus pasiones y entretenimientos, estaba más cercano al estilo de Frans Hals, pero son obras del mismo tipo que las de Ostade.
Realizó 50 grabados sobre la vida campesina, más como afición que con fines comerciales, pues él apenas imprimió ejemplares de ellos. Las planchas serían difundidas mediante abundantes ediciones en los dos siglos siguientes.

Sus primeras obras están repletas de personajes pendencieros y obscenos, pintados con cierta rapidez en espacios oscuros. Ostade tendió a la misma exageración y agitación que Brouwer, aunque se distinguiera de su rival gracias a un uso más general de la luz y la sombra, especialmente, una mayor concentración de luz en una superficie pequeña, en contraste con una mayor expansión de penumbra. La crudeza de sus cuadros le hicieron llegar incluso a la caricatura. La grandeza de Ostade reside en cuán a menudo capta el lado poético de la clase campesina, a pesar de su vulgaridad. Iluminó con la luz mágica de un brillo solar sus bastos deportes, sus peleas, incluso las modalidades más tranquilas de entretenimiento y cubrió sus ruinosas cabañas con una alegre vegetación.

Alrededor de 1638 o 1640, la influencia de Rembrandt hizo que su estilo cambiara rápidamente, con escenas de tono más cálido y locales más decentes. Aparecen escenas al aire libre y retratos costumbristas. Pintó la Anunciación del Museo de Brunswick: ángeles, apareciendo en el cielo a los bárbaros holandeses medio dormidos en medio de su ganado, ovejas, y perros en frente de una cabaña, recuerdan a un tema similar de Rembrandt, quien efectivamente iluminó los grupos principales mediante rayos lanzados a la tierra desde un cielo tenebroso. Ostade, sin embargo, no consiguió aquí dar una fuerza y expresión dramáticas; sus pastores carecen de emoción, sin las cualidades que por lo general hacen atractivos a sus temas habituales.


En 1642 pintó un cuadro que se conserva en el Louvre, que se creyó erróneamente un retrato del pintor y su familia. Hay una madre que atiende a su hijo, que está en la cuna. Su marido se sienta cerca, junto a una gran chimenea. Es una vivienda rural en tinieblas, levemente iluminada por un rayo de sol. Podría pensarse que el pintor intentó representar una Natividad; pero no hay nada santo en los alrededores, nada atractivo, de hecho, excepto la maravillosa transparencia rembrandtesca, el tono marronáceo, y el admirable detallismo. Ostade estaba más cómodo con un efecto similar aplicado al incidente común de la Matanza del cerdo, una de las obras maestras de 1643, y que en el pasado estuvo en la colección Gsell de Viena.

Esta tendencia se intensificó hacia el año 1650, de manera que en su producción posterior muestra escenas más refinadas: interiores más detallados y menos personajes, vistos más de cerca.

En otras obras de años anteriores y posteriores, regresó a temas que le eran familiares, en los que su poder de observación le hacían un maestro. No parece haber vuelto a ilustraciones de los evangelios hasta 1667, cuando produjo una admirable Natividad que sólo se ve superada en composición y colorido por la obra de Rembrandt La familia del carpintero del Louvre, o el Carpintero con hijos, en la galería de Cassel. Casi innumerables son los temas más familiares a los que dedicó su pincel durante este intervalo: desde pequeñas figuras individuales, representando a fumadores o bebedores, hasta alegorías de los cinco sentidos (Museo del Hermitage y galería de Brunswick), retratos de medio cuerpo de pescaderos y panaderos, luchas campesinas, escenas de juego, jugadores itinerantes y curanderos, y jugadores de bolos al aire libre.

viernes, junio 18, 2010

Adios a José Saramago

Hoy, en su casa de la Isla de Lanzarote, a los 87 años, falleció el escritor portugués José Saramago.

Había recibido el Premio Nobel de Literatura en 1988.

"Ensayo sobre la ceguera", "Todos los nombres", "Ensayo sobre la lucidez", "La caverna", "El hombre duplicado", "Las intermitencias de la muerte" son libros imprescindibles de la literatura moderna






Un optimista bien informado
Extractado de una entrevista en el  Diario El País de Madrid

¿Cómo vas a ser optimista si lees el periódico? El mundo es el lugar del infierno; millones nacen para sufrir; no les importan nada a nadie. No soy un pesimista, soy un optimista bien informado.


No dejen de ver este maravilloso corto animado sobre un cuento de José Saramago.

A flor mais grande do mundo - narrada por José Saramago


hab.

jueves, junio 17, 2010

Naipes en el Arte - Gaya




Ramón Gaya ( 1910 - 2005 )




Bodegón del naipe 1927 - Museo Ramón Gaya



Naipes en el Arte - Van Herp




Williem Van Herp ( 1614 - 1677  )





Interior con jugadores de cartas - Colección Privada



Naipes en el Arte - Anónimo 3



Anónimo ( Atribuido a seguidores de Rembrant )





Tal vez pintado entre 1645-1650

National Gallery - Londres





Naipes en el Arte - Hals





Dirck Hals  (1591 - 1656 )




Two childrens player cards

Naipes en el Arte - Teniers




David Teniers - El Joven ( 1610 - 1690 )








Hombres jugando cartas en la cocina C. 1635-1640 - National Gallery - London

Naipes en el Arte - Le Nain





Le Nain ( )





C. 1640 Museo de Bellas Artes de Gales - Cardiff





Naipes en el Arte - Bloemen



Norbert Bloemen (1670 - 1746 )






Pleasant playing cards C. 1700




miércoles, junio 16, 2010

Naipes en el Arte - Arrue




Ramiro Arrue ( 1892 - 1971 )








Naipes en el Arte - Sorgh




SORGH, Hendrick Maertensz ( 1610 - 1670 )






Interior with Peasants Playing Cards Oil on panel, 53 x 68 cm
Private collection





A Woman playing Cards with Two Peasants1644
The National Gallery - London

Naipes en el Arte - Duck




Jacob Duck ( 1600 - 1667 )






Guardoom with soldiers playing cards



Naipes en el Arte - Regnier



RÉGNIER Nicolas ( 1591 – 1667 )



Cardsharps and Fortune Teller 1620-22 Oil on canvas 174 x 228 cm
Museum of Fine Arts Budapest

Naipes en el Arte - Steen




Jan Steen (1625/26-1679)





Steen fue criado en una familia adinerada que administraba una taberna en Leiden. Como su contemporáneo aún más famoso Rembrandt van Rijn (1606 - 1669) Jan Steen acudió a la escuela de latín en Leiden. Recibió su formación en pintura del maestro Nicolaes Knupfer (1603 - 1660), que era un pintor alemán especializado en escenas históricas en Utrecht. La influencia de Knupfer se puede encontrar en el uso que hace posteriormente Steen de la composición y del color de los cuadros. Otra fuente de la inspiración era Adriaen van Ostade (1610 - 1685), pintor de escenas rurales que vivió en Haarlem. Si Steen estudió realmente con Ostade es algo que no se sabe con certeza en la actualidad.
En 1648 Jan Havickszoon Steen se unió al gremio de pintores de Leiden, "Guilda de San Lucas", pero tras haberse convertido en un ayudante del pintor Jan van Goyen (1596 - 1656), conocido por sus paisajes, se trasladó a vivir al Bierkade en La Haya. En 3 de octubre de 1649 contrajo matrimonio con Margriet de van Goyen, hija del maestro y con la quien tendría siete niños. Steen trabajó con su suegro hasta 1654, cuando se trasladó con su familia a Delft, donde abró una fábrica de cerveza llamada De Roscam (El peine) sin lograr mucho éxito. Vivió en Warmond en el periodo que va desde 1656 hasta 1660 y en Haarlem de 1660 hasta 1670, un periodo especialmente productivo. En el año 1670, tras la muerte de su esposa en 1669 y de su padre en 1670, Steen se trasladó de nuevo a Leiden, lugar donde permanecería el resto de su vida. En abril de 1673 se casó otra vez, con Maria van Egmont, que te dio otro niño. En 1674 se hizo presidente del gremio de San Lucas. Murió en 1679 y fue enterrado en un sepulcro de la familia en el Pieterskerk.

Naipes en el Arte - Leyster



Judith Leyster ( 1609 - 1660 )




El Juego de Cartas - Colección Privada


No todo en los tiempos del Barroco era la exageración contrarreformista de los países católicos. En el norte de Europa, en los países protestantes, el arte tenía otro sentido, más íntimo, menos propagandista, menos excesivo. Son los años de Rembrandt, Hals o Vermeer. Y, como no, entre tantos genios, alguna mujer había, también de gran talento. cómo Judith Leyster, que fue amiga de Hals, y que se dedicó a la pintura para ganarse la vida, siendo una de las dos únicas mujeres admitidas en el gremio de pintores de Haarlem.

Nació en 1609 y aunque no se sabe de su formación, lo que sí se sabe es que empezó a trabajar como pintora a los 15 años cuando quebró el negocio de su padre y que a los 18 años ya era una pintora de prestigio reconocido.


Su pintura entra de lleno en el estilo holandés del barroco, con notables influencias de Franz Hals y, en algunas obras, de Vermeer. Se dedicó sobre todo a la pintura que podía vender (no olvidemos que era su trabajo, como era el caso de todos los pintores de esa zona) como son los retratos, las escenas familiares y las escenas de género.

En 1628 se trasladó a Vreeland donde, en contra de lo habitual, abrió un taller en el que, además de realizar distintos encargos, también se dedicaba a la enseñanza.


En 1636 se casó con un pintor de menor talento que ella, y se mudaron a Amsterdam. Tras el matrimonio disminuyó la actividad de Judith, al tiempo que aumentaba la de su marido. Parece probado que ella, además de ocuparse de los hijos y administrar la economía familiar, "echaba más de una mano" a su marido en el taller.


La familia entera volvió a Haarlem en 1549, donde Judith permaneció hasta su muerte en 1660. Fue apreciada por sus contemporáneos aunque después fue olvidada por completo.

Naipes en el Arte - Picasso


Pablo Ruiz Picasso (1881-1973)






Pablo Ruiz Picasso, Málaga, 1881 - Moulins, Francia, 1973) Artista español. Hijo del también artista José Ruiz Blasco, en 1895 se trasladó con su familia a Barcelona, donde el joven pintor se rodeó de un grupo de artistas y literatos, entre los que cabe citar a los pintores Ramón Casas y Santiago Rusiñol, con quienes acostumbraba reunirse en el bar Els Quatre Gats.


Entre 1901 y 1904 Pablo Picasso alternó su residencia entre Madrid, Barcelona y París, mientras su pintura entró en la etapa denominada período azul, fuertemente influida por el simbolismo. En la primavera de 1904, Picasso decidió trasladarse definitivamente a París y establecerse en un estudio en las riberas del Sena. En la capital francesa trabó amistad, entre otros, con los poetas Guillaume Apollinaire y Max Jacob y el dramaturgo André Salmon; entre tanto, su pintura experimentó una nueva evolución, caracterizada por una paleta cromática tendente a los colores tierra y rosa. Al poco de llegar a París entró en contacto con personalidades periféricas del mundillo artístico y bohemio, como los estadounidenses Leo y Gertrude Stein, o el que sería su marchante por siempre, Daniel-Henry Kahnweiler.

Hacia finales de 1906 Pablo Picasso empezó a trabajar en una composición de gran formato que iba a cambiar el curso del arte del siglo XX: Les demoiselles d'Avignon. En esta obra cumbre confluyeron numerosas influencias, entre las que cabe citar como principales el arte africano e ibérico y elementos tomados del Greco y Cézanne. Bajo la constante influencia de este último, y en compañía de otro joven pintor, Georges Braque, Pablo Picasso se adentró en una revisión de buena parte de la herencia plástica vigente desde el Renacimiento, especialmente en el ámbito de la representación pictórica del volumen: fue el inicio del cubismo.

A partir de 1909, Picasso y Braque desarrollaron dicho estilo en una primera fase denominada analítica. En 1912 introdujeron un elemento de flexibilidad en forma de recortes de papel y otros materiales directamente aplicados sobre el lienzo, técnica que denominaron collage. La admisión en el exclusivo círculo del cubismo del pintor español Juan Gris desembocó en la etapa sintética de dicho estilo, marcado por una gama cromática más rica y la multiplicidad matérica y referencial.

Entre 1915 y mediados de la década de 1920 Picasso fue abandonando los rigores del cubismo para adentrarse en una nueva etapa figurativista, en el marco de un reencuentro entre clasicismo y el creciente influjo de lo que el artista denominó sus «orígenes mediterráneos». Casado desde 1919 con la bailarina rusa Olga Koklova y padre ya de un hijo, Paulo, Pablo Picasso empezó a interesarse por la escultura a raíz de su encuentro en 1928 con el artista catalán Julio González; entre ambos introdujeron importantes innovaciones, como el empleo de hierro forjado.

En 1935 nacería una hija, Maya, de una nueva relación sentimental, Marie-Therèse, con quien Pablo Picasso convivió abiertamente a pesar de seguir casado con Olga Koklova; a partir de 1936, ambas debieron compartir al pintor con una tercera mujer, la fotógrafa Dora Maar.

El estallido de la guerra civil española lo empujó a una mayor concienciación política, fruto de la cual es una de sus obras más conocidas, el mural de gran tamaño Gernika. En 1943 conoció a Françoise Gilot, con la que tendría dos hijos, Claude y Paloma. Tres años más tarde Pablo Picasso abandonó París para instalarse en Antibes, donde incorporó la cerámica a sus soportes predilectos.

En la década de 1950 realizó numerosas series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de homenaje. En 1961 Pablo Picasso contrajo segundas nupcias con Jacqueline Roque; sería su última relación sentimental de importancia. Convertido ya en una leyenda en vida y en el epítome de la vanguardia, el artista y Jacqueline se retiraron al castillo de Vouvenargues, donde el creador continuó trabajando incansablemente hasta el día de su muerte.

Naipes en el Arte - Ismael González de la Serna




Ismael González de la Serna ( 1897 - 1968 )






Bodegón con Naipes  c. 1940



A diferencia de otros géneros, el sentido de las naturalezas muertas, o bodegones, hay que buscarlo en la propia construcción de la obra, más o menos intelectual, pero lejos de un trasfondo comunicativo. Los bodegones son, esencialmente, una propuesta plástica. En el siglo XX, a partir del cubismo de Braque y Picasso, el tema del bodegón se revitaliza y los distintos artistas de la llamada Escuela española de París experimentan con este género los nuevos lenguajes pictóricos de las vanguardias. En los cuarenta-cincuenta hacía tiempo que se habían quedado atrás los principios esenciales del cubismo, sin embargo, su poderosa influencia era irresistible entre los pintores de Montmartre. Buen ejemplo de ello es este Bodegón con naipes de Ismael González de la Serna, datado en la década de los 40, en el que juega con la superposición de planos y elementos característicos como naipes, copas, un frutero, partituras o un violín.



Naipes en el Arte - Van Meegeren




Han van Meegeren, (Henricus Antonius) 1889-1947.







Nació en Deventer, países bajos, Holanda. Arquitecto y pintor de cuadros a la manera de Jan Vermeer. En este sentido Van Meegeren es tristemente célebre puesto que falsificó trabajos del gran maestro del siglo 17, para comercializarlos como originales. También pintó obras propias que demuestran que es un artista de calidad.

Para comprobar que eran reproducciones, los cuadros que vendió durante la segunda guerra mundial a los enemigos de Holanda (alemanes), pintó por varios días frente a un jurado. Cumplió la prueba y demostró que su habilidad como pintor era real y que no había traicionado a la patria.

Si observamos las pinturas de Van Meegeren, es difícil concluir que son de Vermeer. El parecido en el estilo y la coloración es vago. En esa época, las pocas obras del anterior, no eran de conocimiento general y por esta razón muchos entendidos cayeron en el engaño.

Naipes en el Arte - Metzinger

     


Jean Metzinger ( 1883 - 1956 )






Metzinger, gracias a su talento como escritor, fue uno de los primeros en relatar las prácticas de los pintores de Montmartre, ausentes de los Salones y las exposiciones . Así, en su artículo (Nota acerca de la pintura, 1910) explica que Braque y Picasso se habían despojado de la perspectiva tradicional y se habían tomado la libertad de girar alrededor de los objetos, lo cual le permitía hablar, por primera vez de totalidad.


Denostado por la crítica, en 1911 decidió librarse de la influencia excesiva de los pioneros de la vanguardia y se dedicó a pintar obras más originales (La Merienda, 1911). Posteriormente comenzaría una frase más analítica, con un estudio más complejo del tema, al que presentaba bajo diferentes ángulos (La pluma amarilla, 1912). A partir de 1914-1915, mantendría este estilo de manera más simplificada (Mujer y guitarra).

Por la fragmentación de los objetos y su voluntad de mostrarlos en varias caras mediante el giro del plano visual sobre un eje, el arte de Metzinger está claramente emparentado con el cubismo de los primeros tiempos (1908-1910).

jueves, junio 10, 2010

Naipes en el Arte - Rombouts



Théodore Rombouts (1597- 1637)





Jugadores de Naipes - Museo del Prado - Madrid




Pintor flamenco. Discípulo de Abraham Janssens. Vivió en Florencia y en Roma, donde recibió influencias de Caravaggio, al cual imitó en las escenas de taberna y jugadores de naipes. En su última producción religiosa, sin embargo (a partir de 1630), se puede percibir el influjo de Rubens. Entre sus obras: Jugadores de naipes, El charlatán sacamuelas, La Justicia y Descendimiento de la Cruz.

Los Naipes en la Historia



Las Leyes y los Naipes


El primer contacto de la ley con los naipes fue para prohibirlos, o al menos para regular su uso.
En el año 1387 el Rey Juan I de Castilla prohibía, por un decreto real, el juego de naipes.
Más tarde, en 1480, en Toledo, los Reyes Católicos establecen normas que los regulan, que serán refrendadas después por la Reina Juana con nuevas disposiciones ampliatorias en 1515. También en Toledo en 1524, Carlos V promulga algunas leyes regulando los juegos que estaban permitidos y establece el límite máximo de las apuestas.
Viendo los monarcas que la fabricación y venta de naipes era una gran fuente de ingresos para la Hacienda Real, Carlos V establece el estanco de naipes en tierras de Castilla en el año 1543. La figura del estanco, que después se ampliaría al tabaco, la pólvora y otros productos, tanto en la península como en las colonias americanas, garantizaba a la Corona el monopolio de la fabricación, distribución, fizcalización y gravámen de los productos que se encontraban bajo este régimen.
El monopolio de la venta de naipes en el reino de Castilla fue concedido por un período de diez años Rodrigo de Dueñas, banquero de Medina del Campo, que adquiría las barajas a un precio establecido por la Corona y estaba autorizado a venderlas a un precio superior a cambio de una contribución al fisco establecida en 1.300.000 maravedís. Una vez terminado este arriendo o asiento de rodrigo de Dueñas, el monopolio pasó a un genovés llamado Agustín Spínola, estante de Medina del Campo, por la suma de 300.000 ducados al año y por un período de seis.
Cada baraja que se vendía, contribuía a la real hacienda con medio real. Según nos cuentan en su libro Las antiguas ferias de Medina del Campo los autores Cristóbal Espejo y Julián Paz, este banquero genovés cedió todo o parte de sus derechos a Esteban de Negrón, vecino de Medina, y a un sobrino de éste, Marco Antonio de Bibaldo, ambos cambistas, a cambio de la suma de 2.065.000 maravedís.
Sobre la abundancia de naipes que debían venderse en las ferias de Medina del Campo, los autores antes citados mencionan en 1574 la cantidad de 100 cajas de 45 docenas de barajas cada una, que fueron estampadas en Burgos a cargo de Cristóbal de Medina.
Del total de 54.000 barajas fueron vendidas 37.800 a 38 maravedís cada una. esto hace suponer, muy a las claras, que en esta ciudad el juego era una actividad muy extendida.

Un año sin Mario Benedetti



UNA MUJER DESNUDA Y EN LO OSCURO

Una mujer desnuda y en lo oscuro
tiene una claridad que nos alumbra
de modo que si ocurre un desconsuelo
un apagón o una noche sin luna
es conveniente y hasta imprescindible
tener a mano una mujer desnuda

una mujer desnuda y en lo oscuro
genera un resplandor que da confianza
entonces dominguea el almanaque
vibran en su rincón las telarañas
y los ojos felices y felinos
miran y de mirar nunca se cansan

una mujer desnuda y en lo oscuro
es una vocación para las manos
para los labios es casi un destino
y para el corazón un despilfarro
una mujer desnuda es un enigma
y siempre es una fiesta descifrarlo

una mujer desnuda y en lo oscuro
genera una luz propia y nos enciende
el cielo raso se convierte en cielo
y es una gloria no ser inocente
una mujer querida o vislumbrada
desbarata por una vez la muerte.

miércoles, junio 09, 2010

Naipes en el Arte - Dix



Otto Dix  (1891 – 1969)


Mutilados de guerra jugando cartas



Se formó en las academias de Dusseldorf y en la escuela de Artes Aplicadas de Dresde, de la que mas tarde será profesor,
Trabajó a partir de 1920, en Berlín, y entre 1933 y 1945 se le prohibió ejercer su profesión, por ser considerado el creador del "Arte Degenerado", desmoralizar al ejército y degradar a la mujer alemana. Dix es un veraz cronista de la sociedad de su tiempo que con deliberado feísmo y violencia, denuncia y critica la autoridad establecida, y las costumbres menos decorosas como la prostitución y el horror de la guerra en el campo de batalla.
Con mordaz sentido del humor aborda su serie de retratos, en los que huye de la adulación y la complacencia con el modelo, para mostrar "todo aquello que hay".
Retirado desde 1933 de los ambientes artísticos, en 1935 se establece en el lago de Constanza, una especie de autoexilio y en 1937, 260 de sus obras son retiradas de las colecciones públicas alemanas. Su reconocimiento como artista universal no se producirá hasta 1955.



Naipes en el Arte - Hooch



Pieter de Hooch ( 1629-1688 ) 





Jugadores de naipes en salón con luz de sol 





 Jugadores de Cartas








 Soldados jugando cartas

Naipes en el Arte - Camaña



Juan Camaña (1795/1800-1877 )



Soldados de Rosas jugando a los naipes, 1852


Una tensa calma trasunta esta escena de apariencia costumbrista. organizada . como en un friso, losgrupos de jugadores se despliegan horizontalmente.El espacio está dividido en tres zonas por los palos de la enramada,siguiendo la proporcion áurea. A la izquierda, una mujer dirige al espectador una mirada enigmatica

Naipes en el Arte - Molenaer


Jan Miense Molenaer (1610-1668)





Naipes en el Arte - Braqué



Georges Braque (1882 - 1963)




Naturaleza muerta con naipes - 1913

Naipes en el Arte - Juan Gris





Juan Gris (1887 - 1927)
 



La ventana del pintor 1925. Óleo sobre lienzo. 100 x 81 cms. Museo de Arte de Baltimore, Maryland.






Cerveza y naipes

Naipes en el Arte - Brouwer






Adriaen Brouwer (1605/1606 - 1638)



Campesinos jugando a las cartas



Card Players











 Pintor flamenco. Repartió su vida y su carrera entre Haarlem, donde recibió la influencia de Frans Hals, y Amberes. En sus cuadros reprodujo con enorme realismo manifestaciones de la vida campesina de su tiempo, que incluyen peleas, juegos y escenas de taberna , con figuras a menudo grotescas pero plasmadas con estilo delicado y brillante. Mayor refinamiento estilístico se advierte en sus paisajes, también de inspiración realista y de gran sobriedad tonal, que se cuentan entre los mejores de su tiempo. Fue una figura relevante, que ejerció una gran influencia en las generaciones siguientes y contribuyó a la difusión de la pintura de género. Rembrandt y Rubens coleccionaron sus obras.